IKAS-ART 2012

PFM, nuestro proyecto de Fin de Master en un corto de Stop Motion.
Habla sobre el síndrome de acumulación en un modo conceptual, con una visión compartida entre el enfermo y el espectador.
Recreándonos en la belleza de la mirada del protagonista y plásmandola en diferentes técnicas de animación.

Estamos muy satisfechos con los resutados, y pensando en nuevos proyectos con el fin de no parar nuestras mentes y no malgastar nuestra creatividad.

Por el momento estamos seleccionados en el IKAS-ART 2011 de Bilbao (en el Bilbao Exhibition Centre, Barakaldo).

Responsables: Fass Castro, Jesús González Uribe y yo,

PFM,  our Master´s Thesis on a Stop Motion short film.
It talks about accumulation syndrome in a conceptual way. With a shared sight between the sick and the observer.
We took pleasure on the way that our main character feels about beauty. And we gave expression to that way on differents animation´s techniques. 
We are very pleased with the results, and thinking about new projects with the aim of don´t stop our minds and  don´t waste our creativity... 
By the way, we have been selected on IKAS-ART 2011 of Bilbao (at Bilbao Exhibition Centre, Barakaldo).

Responsibles: Fass Castro, Jesús González Uribe and I.

Images by Eila Pérez

En el Taller

Fass and me

Images by Jesús González

Trabajando en nuestro proyecto.

Working on our project.

Gondomar acoge una exposición fotográfica de Míriam Rodríguez

La muestra incluye paisajes, rincones, objetos y retratos artísticos

Marta Rivero - Gondomar

Ademas de ejercer de directora artística del coro-show Allepreison, Míriam Rodriguez dedica parte de su tiempo a su afición a la fotografía. Esta es la faceta q la viguesa presenta estos días en el café Rañolas de Gondomar con una muestra compuesta por 33 instantáneas.

La exposición permanecerá hasta mediados de mes en la localidad "a modo de resumen de los trabajos que he ido realizando en estos cuatro años", señala la artista. Imágenes paisajísticas, instantaneas de ricones y objetos y retratos artísticos integran "Jugando a crear", una colección con la que Míriam quiere dar a conocer "todas las posibilidades que ofrezco como profesional".

El actor Jose Carlos Illanes y el pianista Hadrián Rivas son algunos de los modelos que posaron para esta joven licenciada en Bellas Artes. Junto a estos retratosque se exhiben en la muestra, se cuentan también los que protagonizan el guitarrista y compositor Pedro González Neira, y la cantante Lara Rodríguez Pérez. "Son mis fotografías preferidas" reconoce Míriam.

Estas imágenes se presentan acompañadas por otras personas en las que a través de detalles "recojo sensaciones", señala la artista En este sentido Míriam reconoce en JUGANDO A CREAR una exposición muy personal en la que también están presentes fotografías con gran carga artística.

Los visitantes a la muestra, además de contemplar la obra, también podrán adquirir cada una de las piezas cuyo valor oscila entre 85 y 120€ en función del tamaño.

Estilo personal

Aunque en su album personal se incluyen trabajos de lo más variado, su estilo predilecto se caracteriza como "provocador y con un cierto guiño erótico", indica la artista. "me gusta hacer fotografía pop mezclada con el surrealismo cuyo resultado se vincule con la estética musical", añade la joven.

En este sentido, Míriam confiesa "odiar los enfoques clásicos, estáticos y sin vida". "para mí una fotografía tiene que contar una historia, sea de una manera o de otra, y en función de lo que quieras contar habrá que utilizar unos recursos en concreto", explica la viguesa.

Su encuentro con el mundo de la fotografía se remonta al segundo curso de su carrera en la Facultad de Bellas Artes. Fue entonces cuando la joven descubrió "una forma de expresarme hasta tal punto que hoy en día la fotografía forma parte de mí y es una necesidad" asegura la joven .

Esta necesidad fue la que la impulsó a organizar una exposición individual. "Generalmente participo en muestras colectivas como lo he hecho con los grupos artísticos Cuadrante Norte y Lucecú, con los que he colaborado", señala.

Entre sus proyectos de futuro se cuenta pasear JUGANDO A CREAR por otros municipios gallegos y presentar al público las muestras que trabaja en la actualidad. "Es una exposición sobre el cuerpo humano como forma de expresión e incluye obras pictóricas, escultóricas fotografías y de dibujo", adelanta.

Además de dedicarse a la fotografía, Míriam Rodríguez compagina esta afición descubierta en segundo de carrera con otras tareas. Profesora de plástica y de técnicas interpretativas, figurante, azafata y coordinadora de eventos son tan solo algunas de sus ocupaciones. "Pero de lo que vivo en realidad es de trabajar en la TVG de figurante", señala Míriam.

Aunque de vacaciones hasta mediados de mes, el coro-show Allegreison es otra de sus ocupaciones, ya que Míriam participa en él como directora artística. Al grupo polifónico dedica parte de su tiempo libre, cuando no está ensayando con el de soul y gospel Broken Peach.

I JUST WANNA BE RELOVED - Jorge Sepúlveda T.

Esta semana recién pasada estuve en General Roca (Argentina) para asistir a la presentación de Videografías Invisibles [1] cuya exhibición es un trabajo conjunto entre la Oficina Cultural de la Embajada de Españay la Fundación Estudio 13, simultaneamente asisti al taller dictado por Enrique Aguerre y Leonello Zambón, en el UNO centro de arte contemporáneo, dirigido por Alejandra Hernández y Fernanda Hernández, que han formado este centro y la fundación con una orientación claramente contemporánea en sus planteamientos de gestión y colaboración de producción de obra.



En resumen: las actividades oficiales fueron una muestra de videoarte temática de 5 días, un taller de 3 días y una clínica que me solicitaron con un grupo de fotógrafos locales. Las actividades extraoficiales, en todos se permiten hablar sin libreto y sin material de apoyo, me confirmaron la certeza que adquirí luego de mi viaje a dar la charla en Venezuela: todo lo importante ocurre cuando estás desprevenido.



El asunto es el siguiente: revisar la curatorías realizadas por otros obliga a la reconstrucción de los criterios decisionales que les permitieron enlazar las obras seleccionadas como levantamientos de un campo (un objeto de estudio) o como frases visuales cuya gramática es la problematización estética del mundo. Por menos que eso no me ducho.



El lugar en que quedan entonces las obras re-planteadas al ser recontextuadas por la Curatoría es difícil para ellas: deben ser capaces de seducir(nos) en un ámbito repleto de estímulos equiparados por un lenguaje inevitablemente uniformador. Deben ser amadas no por lo que fueron sus pretensiones ni su producción, si no por lo que son ahora, por lo que pueden ser en la lectura y asentamiento memorioso del espectador. Deben ser rudas y seductoras simultáneamente, marcar un posicionamiento que te intriga y te sumerge [Everybody’s gonna love today, gonna love today].


Lo mismo se puede pretender para un taller que pasa desde un planteamiento conceptual (a mi juicio inherente a la producción de obra de arte contemporáneo) para dar paso a la constitución/señalamiento de un criterio cognitivo y su sesgo experiencial, hasta la aplicación práctica mediante la producción y análisis de obra durante un workshop. [I was caught in a dancing situation].


Acá es donde el orden de los factores es imprescindible: no son las herramientas las que construyen las obras, son las decisiones (individuales y sociales) las que requirieron esas herramientas. La fascinación con los nuevos medios (ese brutal encandilamiento que es actualmente nuestra ceguera), es un ejemplo de esto: las posibilidades del lenguaje no son ampliadas y validadas debido a una democratización de las herramientas si no por la popularización del descalce entre lo referente y lo referido que hace a todos los medios del arte imprescindibles.



Insisto, el orden de los factores es imprescindible. Si nos comprendemos como la consecuencia inevitable de la historia entonces no seremos capaces de ver como nuestro espectro cultural fue establecido por decisiones, muchas veces riesgosas, de personas que pudieron haber tomado otro camino y descartaron hacerlo. Esto es simple de explicar, muchas veces veo en las clases de historia del arte a personas que circunscriben su malestar a la (supuesta) superación de las obras anteriores, quedando éstas como clichés gastados, obsoletos. Entiendo que la labor de quien pretenden establecer un campo de estudio histórico debe ser, entonces, la de hacer posible entender que cada uno de esos intentos fue construyendo una eficiencia en su aplicación, en cómo otorgó sentido al lenguaje cuando éste lo iba perdiendo.



Todo esto suena gravísimo, e incluso esdrújulo, pero no lo es tanto así. Nuestro pensamiento cotidiano, nuestra eficiencia práctica, aún sostiene juzgamientos y preconceptos modernos intentando comprender sucesos e ideamientos posteriores (postmodernos). Entonces reaparecen, dotados de supuesta fuerza, planteamientos agotados que no nos permiten superar el estado de constatación para pasar a un estado de diagramatización y estrategizacion, tanto del saber como de la producción de una obra que intelige (una obra que lee y entiende).



Mientras mas corta es la pregunta, más difícil es la respuesta. Acá lo que vimos es una exposición que te exige construcción de criterios generales para entender la curatoría, y de criterios específicos para entender cada obra. Acá lo que tenemos es un requerimiento a la historia para poder evaluar la novedad de lo nuevo, el valor de lo encontrado, el rigor de lo impredecible. En este caso, como en muchos otros, más importa la forma en que la pregunta fue realizada y cómo se enfrento su inquisición, que los resultados que fueron producidos, en otras palabras, mas importa como son constituidos los valores que como se ejercen.



Todo esto, que podríamos pensar sólo sucede en el discurso, ocurre en la inmersión obligatoria por lo perceptible, donde sensorialidad y raciocinio son simultáneos, casi indivisibles y en constante retroalimentación. Podemos decir que Video Arte es una categoría especial de visualidad debido a su intencionamiento, no debido a su objetualización, distinguible por su pretensión y evaluable como resultado efectivo en la capacidad de aprehender, comprender y otorgar sentido a todo lo que queda fuera de la pantalla. Convengamos que el Arte es una herramienta cultural para comprender lo que quedó fuera de su anterior actualización.



El arte es como el paseo que hicimos por las bardas de General Roca: va desde la fascinación estética (del color, la forma, la recurrencia) a la ejecución práctica (del ejercicio del criterio). Si modificas la distancia de la mirada cambias el enfoque, generas lineamientos y sincronías. Eres requerido de otras maneras posibles por la realidad y por la cultura, eres exigido de todas las maneras que el discurso y el coraje te permitan, para colocarte en el riesgo de entrar uno y salir convertido en otro.



Jorge Sepúlveda T.Curador IndependienteSeptiembre de 2007.





[1] Selección de video realizada por los curadores peruanos Jorge Villacorta y José Carlos Mariategui que está incinerando por Sudamérica e incluye una selección tematizada de videos realizados en los ultimos años (2000 a 2007). Mas información en http://www.videografiasinvisibles.org/

Dar una dimensión poética a las creaciones por Alberto Ruiz de Samaniego

Locutor: Marcelino Cotilla Vaca (acento castellano)

Nuestra cita con Alberto Ruiz de Samaniego es frente al Ministerio de Exteriores, en Madrid. El comisario del Pabellón español en la 52ª Bienal de Artes Plásticas de Venecia nos hablará de su proyecto: Paraíso Fragmentado–Paradiso Spezzato. Samaniego llega con paso apresurado, cartera colgada del hombro y traje sin corbata. Entramos en el Palacio de Santa Cruz, más bello aún por dentro que por fuera. Un lugar adecuado para hablar de arte, estética y belleza con un experto en la materia. Concreto y preciso, además de explicativo, algo que se agradece, Alberto Ruiz de Samaniego, crítico y teórico del arte, profesor de Estética y Teoría de las Artes en la Universidad de Vigo, nos traslada rápidamente a ese mundo, a veces, tan difícil de entender.

¿Por qué el nombre de Paraíso Fragmentado–Paradiso Spezzato?

Alberto Ruiz de Samaniego (acento castellano). «Es un término que utiliza Ezra Pound, el poeta norteamericano que vivió en Venecia, está enterrado en Venecia. Es un término fantástico que significa paraíso fragmentado, paraíso hecho polvo y es una señal que yo he interpretado como guía para decir que el mundo es un paraíso fragmentado».

¿Qué lugar ocupa el arte español a nivel europeo y mundial?

Alberto Ruiz de Samaniego. «El nivel del arte español a nivel global lo desconozco. Me parece más interesante ofrecer un proyecto como es Paradiso Spezzato, y generar un valor de discusión y de confraternización y de confluencia».

¿Qué quiere transmitir al público?

Alberto Ruiz de Samaniego. «Quiero transmitir la necesidad de sentirnos vivos, de afirmar la vida, de que el arte sirve para estimular la vida y la vida sirve para estimular el arte. El arte no es sólo una descripción de la decrepitud, de la destrucción. El arte también es un fulgor paradisíaco».

¿Por qué ha seleccionado cuatro artistas y en particular a ésos? ¿Ha sido difícil la elección?

Alberto Ruiz de Samaniego. «No, en absoluto. No ha sido nada difícil. He seleccionado cuatro artistas que yo sabía que estaban trabajando en poéticas muy cercanas. Una poética que es la de buscar rendijas de la vida, fisuras de la vida en medio de una situación en la que no nos queda mucha opción. Decía Ezra Pound «es muy fácil hablar del apocalipsis, pero tenemos que hablar del paraíso». Yo me he obligado a hablar del paraíso».

Hablemos de estética, su especialidad: ¿qué significado tiene en este tercer milenio en el que parece haber de todo, y donde a menudo, lo feo prevalece sobre lo bello?

Alberto Ruiz de Samaniego. «Bien, es una pregunta estupenda. Desde los griegos, ellos pensaron que la belleza tenía algo verdaderamente importante. La belleza es enorme, la belleza es fascinante, la belleza es hipnótica. El arte no es belleza, pero hay un componente bello en el arte que no podemos olvidar jamás. Creo que el arte contemporáneo a menudo ha olvidado ese componente bello, ese componenete verdaderamente saludable del arte. El arte tiene que demostrar la capacidad de sentirnos bien en la vida».

Según avanza la conversación, comprobamos lo afortunados que somos de poder hablar de arte contemporáneo con un experto que te hace entender la materia. No siempre es así.

Profesor, comisario de exposiciones, crítico cultural: ¿cuál de estas tres facetas le gusta más?

Alberto Ruiz de Samaniego. «Bien, es una pregunta bonita. Yo sólo me reconozco como escritor. Desde pequeño he querido ser escritor. La capacidad de la escritura es omnímora, es decir, uno escribe, y uno piensa, y uno actúa. Empecé como escritor, continué como aficionado al arte, luego seguí como comisario. Estoy ahora mismo como comisario y yo creo que la escritura, la fascinación, la belleza, el arte son compartimentos que se comunican y que tienen que distribuirse absolutamente coordinados».

Un crítico de arte: ¿cómo consigue ser objetivo y cuánto llega a influir en el posible éxito de un artista? ¿Se siente responsable al hacer una crítica?

Alberto Ruiz de Samaniego. «Me siento absolutamente responsable. Cada vez que escribo sobre alguna persona pienso que para él y para mí el mundo se transforma. Quiero pensar, sé que no es verdad, pero quiero pensar, que ese texto, esa experiencia, esa reseña, ese acto de amor que para mí es responder a eso, supone una aportación contra el nihilismo y contra todo el apocalipsis reinante en el que estamos».

Bueno, ¿y cuál es su opinión sobre la Bienal de Venecia?

Alberto Ruiz de Samaniego. «Siempre he sido uno de los defensores de la Bienal de Venecia. Me gusta mucho la Bienal de Venecia por tres razones. Una, por su historia, hay pocas cosas que resistan cien años. Eso es un logro. Dos, hay pocas cosas que resistan que diferentes países arreglen sus pequeños problemas para explicarse. Tres, hay pocas cosas que consigan que se pueda expresar el nivel de articulación de signos plásticos contemporáneos con la capacidad absolutamente amplia de demostración que tiene la Bienal de Venecia».

Y, para finalizar, su dictamen sobre el arte moderno italiano: ¿qué artistas destaca?

Alberto Ruiz de Samaniego. «Me gusta mucho Loris Cecchini, por ejemplo, me parece un artista esencial, un artista que toca en la problemática de una construcción simbológico-tecnológica en la que estamos todos inmersos. Mas no soy muy consciente del panorama, por lo tanto, no me atrevo a opinar».