Dormir es la mejor forma de soñar, de teñir las malas rachas y de respirar cualquier cosa q no sea rutina real.
Hoy cierro los ojos, solo con la intencion de perderme, no me importa si habra o no cosas agradables, solo quiero soñar y desaparecer en cada imagen.
domingo, septiembre 30, 2007
The Observatory (aka: The Dialogue)
sábado, septiembre 29, 2007
jueves, septiembre 27, 2007
jueves, septiembre 20, 2007
miércoles, septiembre 19, 2007
Big Bad Wolf
La confianza ha de darnos la paz. No basta la buena fe, es preciso mostrarla, porque los hombres siempre ven y pocas veces piensan.
Simón Bolívar (1783-1830) Militar y político de origen venezolano.
wishing well
parece q mis plegarias para q se acabara lo q estaba haciendo dieron resultado....
HAY MUCHO LISTO POR AHI!!!
martes, septiembre 18, 2007
Wrath/This Woman Scorned
estoy muy pero que muy agobiada.... qué puedo hacer?? me suicido u opto por tomarme 20 tilas y comerme los mocos??
lunes, septiembre 17, 2007
domingo, septiembre 16, 2007
miércoles, septiembre 12, 2007
Mental Disorder
Hoy estoy de muy mal humor,... me siento impotente y con ganas de arrancarle la abeza a más de uno...
Pero no me pienso quedar de brazos cruzados, ya no voy a pasar ni la mas minima.
Regina Spektor - Fidelity
Hay maridos tan injustos que exigen de sus mujeres una fidelidad que ellos mismos violan, se parecen a los generales que huyen cobardemente del enemigo, quienes sin embargo, quieren que sus soldados sostengan el puesto con valor.
Plutarco (50-125) Escritor griego.
lunes, septiembre 10, 2007
MINI
Todo cabe en lo breve. Pequeño es el niño y encierra al hombre; estrecho es el cerebro y cobija el pensamiento; no es el ojo más que un punto y abarca leguas.
Alejandro Dumas (1803-1870) Escritor francés.
The Body
El hombre grande es aquel que en medio de las muchedumbres mantiene, con perfecta dulzura, la independencia de la soledad.
Ralph Waldo Emerson (1803-1882) Poeta y pensador estadounidense.
sábado, septiembre 08, 2007
BUTOH, LA DANZA DE LA OSCURIDAD
A los 93 años, Kazuo Ohno, uno de los creadores de esta forma única de danza japonesa nos habla de su significado. Cómo recobrar el cuerpo desde el vientre materno es una de las claves que entrega este maestro conocido en todo el mundo.
El primer bombardeo nuclear en 1945 sobre objetivos civiles en la historia de la humanidad en Hiroshima y Nagasaki, trajo consigo la rendición incondicional de Japón ante las fuerzas aliadas.
Con el correr del tiempo, las imágenes de algunos sobrevivientes de aquel holocausto nuclear, que caminaban desorientados, con sus cuerpos quemados y con los globos oculares reventados y colgando sobre sus mejillas produjeron una reacción de asco y repulsión entre los japoneses. Así nació el Butoh, "la danza hacia la oscuridad".
Recobrar el cuerpo
Algunos lo clasifican como un paso intermedio entre la danza y el teatro, otros como una poesía grosera. Sin embargo, uno de los creadores del Butoh, Tatsumi Hijikata (1928-1986) pensaba que su arte tenía el propósito de recobrar el cuerpo primigenio "el cuerpo que nos ha sido robado".
Hijikata y su obra homo erótica Kinjiki (Colores Prohibidos) escandalizaron a la comunidad artística nipona en 1959, la que entonces cultivaba formas occidentales de baile. El mismo Hijikata presentó varias obras consideradas repulsivas y que nunca se habían visto en el Japón de pos guerra ni en ninguna otra parte del mundo.
En una de ellas bailaba con los ojos desorbitados, una falda rosada y un pene metálico de grandes proporciones atado a su pubis. Así Hijikata, junto con el otro fundador del Butoh llamado Kazuo Ohno (1906-) dieron un vuelco en 180 grados desarrollando una representación única del cuerpo en movimiento, que desafió lo convencional y que hoy es conocida en el mundo entero. Hijikata murió sin llegar a envejecer, mientras que Ohno tiene 93 años y es el representante de mayor edad que sigue dando funciones en solo y enseñando.
A una hora al sur de Tokio, en las faldas de un cerro en Yokohama, tres veces por semana unos 15 estudiantes de todas las edades y de distintas partes del mundo llegan al salón de práctica.
El salón está repleto de recuerdos, fotos de Ohno tomadas en las principales capitales del mundo, caligrafías japonesas, recuerdos y unos posters enmarcados de "La Argentina". La bailarina española Antonia Mercé ejerció una influencia decisiva en la vida de Ohno cuando éste aún era muy joven y trabajaba como profesor de educación física en un colegio de niñas. Ohno quedó tan impresionado con la obra "La Argentina", que comenzó a estudiar danza moderna.
El maestro y su hijo
El dicho japonés "minoru hodo atama o taruru ineho", que en español sería: "Cuanto más llena está la espiga de arroz, más inclina la cabeza" alude al hecho que las personas de gran calidad humana y profesional resultan ser las más sencillas y fáciles de tratar. Este dicho caracteriza con fidelidad la personalidad del maestro Ohno, como le llaman sus estudiantes y la de su hijo Yoshito (64).
Aunque ambos son conocidos en todo el mundo, el trato que les dan tanto a sus estudiantes como a los visitantes que llegan a su salón de práctica es extremadamente cortés y amable. Entre los estudiantes extranjeros del maestro, como le llaman sus alumnos, curiosamente, la mayoría son hispanohablantes. Un español, que interpreta las instrucciones del japonés al inglés durante la clase, dos argentinos y dos mexicanos, además de una israelí y una australiana. El resto son japoneses.
En el vientre materno
Pasada las siete de la tarde todos los estudiantes ya se encuentran vestidos con buzos o ropa ligera haciendo ejercicios de estiramiento. Hace no mucho ellos solían sentarse a los pies del maestro Ohno, mientras éste les hablaba durante media hora sobre la obra que iban a bailar como una manera de inspirarlos y ponerlos física y mentalmente en la obra.
A veces les decía "si quieren comprender sus propios cuerpos deben aprender a caminar bajo el mar, en el lecho marino. Conviértanse en polvo de polilla. Todas las huellas del universo se encuentran en las alas de una polilla". En otras, les explicaba que "yo aprendí el Butoh en el vientre materno. De hecho, todas las formas de danza provienen de esa misma fuente".
En muchas ocasiones, justo antes de que los estudiantes comenzaran a improvisar, Ohno les repetía que debían danzar en el útero de sus madres, "no pensar sobre el hecho sino que sentirlo". Una de las obras más conocidas del maestro se llama justamente Okaasan, "Mamá".
Últimamente, sin embargo, aparentemente debido a su avanzada edad, el maestro Ohno sólo se limita a sentarse en un sillón a presenciar las clases mientras que su hijo Yoshito se encarga de colocar la música y de conducir.
Las clases son improvisadas. Los movimientos son extremadamente lentos y coordinados con la cabeza, muñecas, piernas y tobillos. A veces los ojos van cerrados, pero en otras, abiertos y expresando una emoción de alegría o pena, enojo o placidez.
En muchas ocasiones la danza ocurre dentro del estudiante, casi una danza más imaginaria que real. En otras, parece un cuerpo más propicio a escuchar que a hablar; un cuerpo buscando escuchar dónde debiera dirigirse el próximo movimiento.
El propósito, dice Ohno, es terminar con los hábitos para, así, poder permitir la libertad del ser. Pero según Ohno no es fácil liberarnos de los hábitos puesto que se han asentado en nosotros. Junto con su hijo Yoshito, Ohno agrega que "si no nos liberamos de nuestros hábitos, si no los podemos reconocer, no nos será posible permitir que lo involuntario manifieste su sabiduría sutil".
Los Ojos en la Espalda
Al cabo de una hora de clase la antesala está llena de invitados que observan a los alumnos improvisando. La mayoría de los invitados, que se sientan en el suelo detrás del sofá del maestro Ohno, recorren todos los talleres de Butoh que existen en Tokio. Aparte del taller de Ohno, uno de los más populares es el llamado Sankai Juku liderado por Ushio Amagatsu.
Él, junto con su grupo, actúan con sus cuerpos pintados de blanco y, aunque en sus presentaciones no improvisan como el grupo de Ohno, gozan de mucha popularidad en Japón y en el extranjero. La japonesa más famosa en el Butoh y que también enseña y dirige se llama Natsu Nakajima.
Durante la clase las instrucciones son variadas: conviértanse en una flor, cierren los ojos y bailen en su oscuridad, son una esfera, etc. Finalmente, al terminar las casi dos horas de clases todos se juntan a compartir un vino tinto, galletas, dulces y té verde.
Son muchas las dudas y preguntas que surgen, pero dos me parecen demasiado importantes como para olvidarlas. Yoshito nos explica que para ellos el concepto de belleza es un poco distinto al que impera en Occidente. Shibui le llama, "es un concepto estético y que indica una distinción silenciosa, una belleza sobria, recatada". Este shibui puede llenar todos nuestros sentidos, según dice, pero lo hace sin gritar, de manera indirecta, sutil. Así es la belleza en el Butoh, y quizás en muchas manifestaciones artísticas japonesas.
En vez de responderme la segunda pregunta mediante una explicación verbal, Yoshito me lleva a una esquina del salón, mientras los demás comparten animadamente en varios idiomas. Yoshito, quien viste un pantalón negro y una camisa blanca con cuello al estilo Mao y luce la cabeza rapada, parece de pronto transformarse. Me explica con su cuerpo lo que les repite una y otra vez a sus estudiantes: "los ojos están en la espalda".
Yoshito deja caer levemente los hombros, su espalda se arquea un poco, los ojos suben a un costado y todo el salón se llena con su presencia. Luego separa los brazos de su cuerpo, sus piernas van casi dobladas y el pecho firme y cuando me mira me doy cuenta que la animada conversación del resto ha cesado y que todos nos observan en silencio.
Temas relacionados:
-Kazuo OHNO Pionero de la danza Butoh
-Yoshito OHNO bailarín de Butoh
-Akaji MARO bailarín, coreografo y director de Butoh
-Dairakudakan agrupacion de Butoh
-Akaji MARO y Dairakudakan danza Butoh (por Eri Misaki)
-IMA TENKO + KIRAZA
-Lo grotesco en el Butoh (por Maria Camila Lizarazo)
-O colapso do corpo a partir do ankoku butô de Hijikata Tatsumi (por Christine Greiner) -archivo pdf
I JUST WANNA BE RELOVED - Jorge Sepúlveda T.
Esta semana recién pasada estuve en General Roca (Argentina) para asistir a la presentación de Videografías Invisibles [1] cuya exhibición es un trabajo conjunto entre la Oficina Cultural de la Embajada de Españay la Fundación Estudio 13, simultaneamente asisti al taller dictado por Enrique Aguerre y Leonello Zambón, en el UNO centro de arte contemporáneo, dirigido por Alejandra Hernández y Fernanda Hernández, que han formado este centro y la fundación con una orientación claramente contemporánea en sus planteamientos de gestión y colaboración de producción de obra.
En resumen: las actividades oficiales fueron una muestra de videoarte temática de 5 días, un taller de 3 días y una clínica que me solicitaron con un grupo de fotógrafos locales. Las actividades extraoficiales, en todos se permiten hablar sin libreto y sin material de apoyo, me confirmaron la certeza que adquirí luego de mi viaje a dar la charla en Venezuela: todo lo importante ocurre cuando estás desprevenido.
El asunto es el siguiente: revisar la curatorías realizadas por otros obliga a la reconstrucción de los criterios decisionales que les permitieron enlazar las obras seleccionadas como levantamientos de un campo (un objeto de estudio) o como frases visuales cuya gramática es la problematización estética del mundo. Por menos que eso no me ducho.
El lugar en que quedan entonces las obras re-planteadas al ser recontextuadas por la Curatoría es difícil para ellas: deben ser capaces de seducir(nos) en un ámbito repleto de estímulos equiparados por un lenguaje inevitablemente uniformador. Deben ser amadas no por lo que fueron sus pretensiones ni su producción, si no por lo que son ahora, por lo que pueden ser en la lectura y asentamiento memorioso del espectador. Deben ser rudas y seductoras simultáneamente, marcar un posicionamiento que te intriga y te sumerge [Everybody’s gonna love today, gonna love today].
Lo mismo se puede pretender para un taller que pasa desde un planteamiento conceptual (a mi juicio inherente a la producción de obra de arte contemporáneo) para dar paso a la constitución/señalamiento de un criterio cognitivo y su sesgo experiencial, hasta la aplicación práctica mediante la producción y análisis de obra durante un workshop. [I was caught in a dancing situation].
Acá es donde el orden de los factores es imprescindible: no son las herramientas las que construyen las obras, son las decisiones (individuales y sociales) las que requirieron esas herramientas. La fascinación con los nuevos medios (ese brutal encandilamiento que es actualmente nuestra ceguera), es un ejemplo de esto: las posibilidades del lenguaje no son ampliadas y validadas debido a una democratización de las herramientas si no por la popularización del descalce entre lo referente y lo referido que hace a todos los medios del arte imprescindibles.
Insisto, el orden de los factores es imprescindible. Si nos comprendemos como la consecuencia inevitable de la historia entonces no seremos capaces de ver como nuestro espectro cultural fue establecido por decisiones, muchas veces riesgosas, de personas que pudieron haber tomado otro camino y descartaron hacerlo. Esto es simple de explicar, muchas veces veo en las clases de historia del arte a personas que circunscriben su malestar a la (supuesta) superación de las obras anteriores, quedando éstas como clichés gastados, obsoletos. Entiendo que la labor de quien pretenden establecer un campo de estudio histórico debe ser, entonces, la de hacer posible entender que cada uno de esos intentos fue construyendo una eficiencia en su aplicación, en cómo otorgó sentido al lenguaje cuando éste lo iba perdiendo.
Todo esto suena gravísimo, e incluso esdrújulo, pero no lo es tanto así. Nuestro pensamiento cotidiano, nuestra eficiencia práctica, aún sostiene juzgamientos y preconceptos modernos intentando comprender sucesos e ideamientos posteriores (postmodernos). Entonces reaparecen, dotados de supuesta fuerza, planteamientos agotados que no nos permiten superar el estado de constatación para pasar a un estado de diagramatización y estrategizacion, tanto del saber como de la producción de una obra que intelige (una obra que lee y entiende).
Mientras mas corta es la pregunta, más difícil es la respuesta. Acá lo que vimos es una exposición que te exige construcción de criterios generales para entender la curatoría, y de criterios específicos para entender cada obra. Acá lo que tenemos es un requerimiento a la historia para poder evaluar la novedad de lo nuevo, el valor de lo encontrado, el rigor de lo impredecible. En este caso, como en muchos otros, más importa la forma en que la pregunta fue realizada y cómo se enfrento su inquisición, que los resultados que fueron producidos, en otras palabras, mas importa como son constituidos los valores que como se ejercen.
Todo esto, que podríamos pensar sólo sucede en el discurso, ocurre en la inmersión obligatoria por lo perceptible, donde sensorialidad y raciocinio son simultáneos, casi indivisibles y en constante retroalimentación. Podemos decir que Video Arte es una categoría especial de visualidad debido a su intencionamiento, no debido a su objetualización, distinguible por su pretensión y evaluable como resultado efectivo en la capacidad de aprehender, comprender y otorgar sentido a todo lo que queda fuera de la pantalla. Convengamos que el Arte es una herramienta cultural para comprender lo que quedó fuera de su anterior actualización.
El arte es como el paseo que hicimos por las bardas de General Roca: va desde la fascinación estética (del color, la forma, la recurrencia) a la ejecución práctica (del ejercicio del criterio). Si modificas la distancia de la mirada cambias el enfoque, generas lineamientos y sincronías. Eres requerido de otras maneras posibles por la realidad y por la cultura, eres exigido de todas las maneras que el discurso y el coraje te permitan, para colocarte en el riesgo de entrar uno y salir convertido en otro.
Jorge Sepúlveda T.Curador IndependienteSeptiembre de 2007.
[1] Selección de video realizada por los curadores peruanos Jorge Villacorta y José Carlos Mariategui que está incinerando por Sudamérica e incluye una selección tematizada de videos realizados en los ultimos años (2000 a 2007). Mas información en http://www.videografiasinvisibles.org/
En resumen: las actividades oficiales fueron una muestra de videoarte temática de 5 días, un taller de 3 días y una clínica que me solicitaron con un grupo de fotógrafos locales. Las actividades extraoficiales, en todos se permiten hablar sin libreto y sin material de apoyo, me confirmaron la certeza que adquirí luego de mi viaje a dar la charla en Venezuela: todo lo importante ocurre cuando estás desprevenido.
El asunto es el siguiente: revisar la curatorías realizadas por otros obliga a la reconstrucción de los criterios decisionales que les permitieron enlazar las obras seleccionadas como levantamientos de un campo (un objeto de estudio) o como frases visuales cuya gramática es la problematización estética del mundo. Por menos que eso no me ducho.
El lugar en que quedan entonces las obras re-planteadas al ser recontextuadas por la Curatoría es difícil para ellas: deben ser capaces de seducir(nos) en un ámbito repleto de estímulos equiparados por un lenguaje inevitablemente uniformador. Deben ser amadas no por lo que fueron sus pretensiones ni su producción, si no por lo que son ahora, por lo que pueden ser en la lectura y asentamiento memorioso del espectador. Deben ser rudas y seductoras simultáneamente, marcar un posicionamiento que te intriga y te sumerge [Everybody’s gonna love today, gonna love today].
Lo mismo se puede pretender para un taller que pasa desde un planteamiento conceptual (a mi juicio inherente a la producción de obra de arte contemporáneo) para dar paso a la constitución/señalamiento de un criterio cognitivo y su sesgo experiencial, hasta la aplicación práctica mediante la producción y análisis de obra durante un workshop. [I was caught in a dancing situation].
Acá es donde el orden de los factores es imprescindible: no son las herramientas las que construyen las obras, son las decisiones (individuales y sociales) las que requirieron esas herramientas. La fascinación con los nuevos medios (ese brutal encandilamiento que es actualmente nuestra ceguera), es un ejemplo de esto: las posibilidades del lenguaje no son ampliadas y validadas debido a una democratización de las herramientas si no por la popularización del descalce entre lo referente y lo referido que hace a todos los medios del arte imprescindibles.
Insisto, el orden de los factores es imprescindible. Si nos comprendemos como la consecuencia inevitable de la historia entonces no seremos capaces de ver como nuestro espectro cultural fue establecido por decisiones, muchas veces riesgosas, de personas que pudieron haber tomado otro camino y descartaron hacerlo. Esto es simple de explicar, muchas veces veo en las clases de historia del arte a personas que circunscriben su malestar a la (supuesta) superación de las obras anteriores, quedando éstas como clichés gastados, obsoletos. Entiendo que la labor de quien pretenden establecer un campo de estudio histórico debe ser, entonces, la de hacer posible entender que cada uno de esos intentos fue construyendo una eficiencia en su aplicación, en cómo otorgó sentido al lenguaje cuando éste lo iba perdiendo.
Todo esto suena gravísimo, e incluso esdrújulo, pero no lo es tanto así. Nuestro pensamiento cotidiano, nuestra eficiencia práctica, aún sostiene juzgamientos y preconceptos modernos intentando comprender sucesos e ideamientos posteriores (postmodernos). Entonces reaparecen, dotados de supuesta fuerza, planteamientos agotados que no nos permiten superar el estado de constatación para pasar a un estado de diagramatización y estrategizacion, tanto del saber como de la producción de una obra que intelige (una obra que lee y entiende).
Mientras mas corta es la pregunta, más difícil es la respuesta. Acá lo que vimos es una exposición que te exige construcción de criterios generales para entender la curatoría, y de criterios específicos para entender cada obra. Acá lo que tenemos es un requerimiento a la historia para poder evaluar la novedad de lo nuevo, el valor de lo encontrado, el rigor de lo impredecible. En este caso, como en muchos otros, más importa la forma en que la pregunta fue realizada y cómo se enfrento su inquisición, que los resultados que fueron producidos, en otras palabras, mas importa como son constituidos los valores que como se ejercen.
Todo esto, que podríamos pensar sólo sucede en el discurso, ocurre en la inmersión obligatoria por lo perceptible, donde sensorialidad y raciocinio son simultáneos, casi indivisibles y en constante retroalimentación. Podemos decir que Video Arte es una categoría especial de visualidad debido a su intencionamiento, no debido a su objetualización, distinguible por su pretensión y evaluable como resultado efectivo en la capacidad de aprehender, comprender y otorgar sentido a todo lo que queda fuera de la pantalla. Convengamos que el Arte es una herramienta cultural para comprender lo que quedó fuera de su anterior actualización.
El arte es como el paseo que hicimos por las bardas de General Roca: va desde la fascinación estética (del color, la forma, la recurrencia) a la ejecución práctica (del ejercicio del criterio). Si modificas la distancia de la mirada cambias el enfoque, generas lineamientos y sincronías. Eres requerido de otras maneras posibles por la realidad y por la cultura, eres exigido de todas las maneras que el discurso y el coraje te permitan, para colocarte en el riesgo de entrar uno y salir convertido en otro.
Jorge Sepúlveda T.Curador IndependienteSeptiembre de 2007.
[1] Selección de video realizada por los curadores peruanos Jorge Villacorta y José Carlos Mariategui que está incinerando por Sudamérica e incluye una selección tematizada de videos realizados en los ultimos años (2000 a 2007). Mas información en http://www.videografiasinvisibles.org/
miércoles, septiembre 05, 2007
lunes, septiembre 03, 2007
Sexo en Nueva York
Cuantas nos sentimos identificadas con ellas??
yo creo q nadie se libra,...
Es la mejor serio del mundo, la q mejor saca a la luz las comeduras de olla de cualquier mujer y la relaciónq podemos tener entre nosotras
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